Daft Punk: “Interstella 5555: The 5tory of the 5ecret 5tar 5ystem” (2003) (Álbum “Discovery” -2001-)

Hoy amiguitos no voy a hablar de una canción, lo voy a hacer de un disco entero. O mejor dicho, de la transformación de éste en un anime.

Daft Punk, dúo francés formado por Thomas Bangalter y Guy Manuel de Homem-Christo (me flipa el nombre de este tío, es como de noble villano de novela de capa y espada), publicaron en 2001 su segundo álbum, “Discovery” y sirvió para unirles en colaboración con Leiji Matsumoto. Matsumoto es el creador de obras como “La princesa de los 1000 años”, “Galaxy 999”, “Capitán Harlock (pirata espacial)” y sobre todo, “Space Battleship Yamato”, que marcó mi infancia con el nombre de “Star Blazers” y esos créditos hechos a base de fanfarria y vozarrones de machotes.

¿Y qué pintan los Daft Punk con Leiji Matsumoto?. Pues que los vídeos de los singles de “Discovery” serían animes dirigidos por Matsumoto y la avanzadilla para una película. Y así nació “Interstella 5555”, que no es más que los 14 cortes de “Discovery” unidos en continuidad. “Interstella 5555” no fue producida por cualquiera, detrás estuvo nada más y nada menos que la Toei.

Vale, algunos diréis, ¿qué significa que la haya hecho la Toei?; pues la respuesta, como siempre, está en Wikipedia y si no habéis visto nada de ellos es que no habéis tenido ni infancia, ni vida en general. (Modo borde “on”).

“Interstella 5555” nos cuenta las aventuras de un grupo musical extraterreste que triunfan en su planeta (habitado por humanoides pero de color pitufo).

1.- “One More Time”

Un cometa nos guía por un viaje espacial a través de la galaxia hasta llegar a un planeta donde en un auditorio están tocando nuestros protagonistas. La banda la forman el guitarrista Arpegius (otro nombre flipante, como de científico loco, “El Dr. Arpegius”); Octave, el teclista con pelo afro y patillas; a la batería está Baryl, pequeño, melenudo y de aspecto cómico, típico personaje de Matsumoto; y la bajista, la estilizada y lánguida Stella.

La banda tiene aceptación y gusta a toda la familia, cosa que no sé si es buena o mala. Del concierto gozan hasta los miembros de seguridad a los que se les cuela una nave tripulada por tipos con pinta chunga. Éstos desembarcan y uno de los vigilantes de la alarma.

"One More Time" fue el primer single de "Discovery" y fue, junto con el previo Around The World", el tema que catapulto a Daft Punk al éxito internacional.

 2.- “Aerodynamic” 

Los tipos chungos enmascarados irrumpen en el auditorio y en la torre de vigilancia y disparan una gas somnífero con el fin de secuestrar a la banda. Arpegius consigue escapar y se inicia una persecución bien acompañada por la música, un intenso punteo de guitarra. La huida dura poco y Arpegius es capturado y subido a la nave junto a sus compañeros baja la atenta mirada de un ser sombrío. Finalmente, uno de los vigilantes consigue enviar una alerta consistente en un extraño símbolo parecido a una guitarra eléctrica y ésta se propaga por el espacio. 

 “Aerodynamic” mezcla un punto de música funk con la música electrónica habitual en “Daft Punk”.

 

 3.- “Digital Love”

La acción nos lleva a una nave con la misma forma que el símbolo de la alerta, por fuera de ella el piloto, Shep, pule la cubierta (un concepto que me encanta) y tras volver a la nave, se mete en su habitación a soñar (que es una idea más romántica y limpia que adorar a Onán) con su amor platónico, Stella. Como si de una fantasía de Waylon Smithers se tratara, el póster de Stella cobra vida y se llava a Shep a volar por ahí. Pero el sueño se va a al carajo porque suena la alarma y Shep decide perseguir a los secuestradores. La nave por dentro recuerda mucho a la “2001: una odisea en el espacio”. Se introduce por un agujero de gusano con un portal similar a la Zona Fantasma, pero pierde el control de la nave estrellándose un bosque. El momento en que la nave de los villanos se transforma en un avión me sigue alucinando.

 “Digital Love” sigue la estela de “Aerodynamic”, mezclando guitarras y electrónica pero con letra. El tema contiene un sample del tema “I Love You More” de George Duke.



 4.- “Harder, Better, Faster, Stronger” 

 En este cuarto acto, la banda es sometida a un complejo proceso de chapa y pintura. Y es que el villano, al que vemos fugazmente al final del vídeo, tiene que hacer pasar a la banda por humanos. Para ello, modifica sus recuerdos, su vestimenta (ahora visten como los modennos de hoy en día), les pintan la piel a lo paintball y les colocan una especie de controlador de voluntad en la sien.

Esta canción es quizá la que mejor conecta con el anterior disco del grupo “Homework”, y es que, por momentos recuerda a “Around the World”. En 2007 Daft Punk hicieron un remix mezclando ambos temas. La letra se limita a repetir, con voz robótica y en diferentes combinaciones las palabras: Harder, Better, Faster, Stronger, Do it, Make it, Work it, Make us, More than, Hour, Our, Never, Ever, After, Over y Work is. Este tema tiene un sample de Edwin Birdong “Cola Bottle Baby” y fue, a su vez, sampleado por Kanye West en “Stronger”.

 

5.- “Crescendolls”

Vuelve a sonar brevemente el “One More Time” en el despacho de un productor discográfico, y es que ese va a ser el primer single de la “nueva banda”: The Crescendolls. Su manager, el maligno Earl de Darkwood (otro nombre flipante, éste suena a enemigo de “La Pimpinela Escarlata”), cuya cara me recuerda a la del ex-presidente del Real Madrid Ramón Calderón, pero con pelo largo y pendiente, los lleva a firmar su contrato para grabar un disco. Y empieza una campaña de marketing que ridiculizaría a Bob Esponja: maratonianas firmas de discos, sesiones de fotos, actuaciones en TV. The Crescendolls suben en las listas como la espuma y su música triunfa en todo el mundo, los niños se visten como ellos, etc. 

Finalmente, alcanzan el número 1 y Earl nos sonríe de forma hijoputesca. En el vídeo hay una crítica clara a la industria musical y los productos prefabricados con los que nos saturan. Todo está en manos de los managers, productores y del merchandising. Los músicos son lo de menos, da igual que sean zombis sin voluntad o unos niñatos obligados a ocultar su sexualidad, como pasa con las “boy band”. 

Debo admitir que en “Crescendolls” música e imagen no me encajaban al principio. Pero ese ritmo tan alegre y vertiginoso sampleado de Little Anthony and the Imperials combina bien porque explica ese escalada hacia el éxito, una llegada a la cumbre que va tener consecuencias.

 

 6.- “Nightvision” 

Nuestros amiguitos están totalmente agotados, cansados de sufrir los rigores del marketing. Su visible falta de energía no conmueve a Darkwood, que los obliga a seguir gracias a sus gorilas. Stella observa por una ventana la noche lluviosa y mientras, Shep deambula sin rumbo por las calles. Cuando en una pantalla identifica a sus amigos, con la piel de otro color, se sorprende. La sorpresa torna en rabia cuando observa un plano de su amada Stella y Shep aprieta el puño en plan “jozú, lo que me han hecho”. 

 “Nightvisión” es, aparte del segmento más corto de la disco-película, un punto de inflexión. La música es muy contemplativa, casi “chill-out”, que tan de moda estuvo hace años y tanto daño que hizo.

 

 7.- “Superheroes” 

En un estadio con un llenazo que ni los Rolling, los Crescendolls dan un concierto con orquesta y todo. El público vibra hasta que Shep irrumpe en el escenario y con una extraña pistola destruye los anuladores de voluntad de la banda. Cuando se dispone a “desactivar” a Stella, Darkwood lo impide y nuestros héroes se ven obligados a huir. En la persecución, los gorilas disparan y Shep logra deshacerse de ellos. Tras chocar con un camión, descubrimos la verdadera naturaleza de los lacayos de Darkwood. La huida no ha sido limpia, Shep está herido y sangra en abundancia; por decir algo, porque la sangre es una agüita amarrilla (que diría Pablo Carbonell). Me pregunto que sueltan estos extraterrestres cuando mean.

El tema tiene dos partes: el inicio, con la frase “Go through the air” repetida constantemente mezclada con un golpe de bombo y los efectos sonoros del gentío en el estadio; la segunda, viene por detrás solapando poco a poco a la primera, el tema pasa a ser instrumental y con una melodía que encaja perfectamente con la persecución, también quedaría bien como sintonía para la Vuelta a España.

 

8.- “High Life” 

Stella y Darkwood se dirigen a una desfile de moda. Allí hablan con un diseñador con pintas extrañas (valga la redundancia) que les muestran un bonito traje color turquesa. Y es que ambos tienen una cita importante. Se entregan los Gold Records Awards y The Crescendolls están nominados. Antes de ir Stella recoge una tarjeta que se le cae Darkwood y la guarda en el canalillo. Ya en la ceremonia se suceden las actuaciones hasta que el presentador da paso a los encargados de dar el premio. Una especie de cantante country y una doble de Alicia Keys pero con menos caderas. Normal porque esas caderas son indibujables (“perdón por el palabro”). 

Entre los nominados también figuras los propios Daft Punk, que aparecen con sus cascos robóticos característicos. The Crescendolls ganan el premio y Stella y Darkwood suben a recogerlo, momento que aprovecha Baryl, infiltrado como fotográfico y vestido con el sombrero de Tochiro Oyama y la capa del Capitán Harlock (creaciones de Matsumoto), para romper el inhibidor de personalidad. Stella huye con Baryl y Octave en un taxi. 

A partir de un ligero sample de “Break Down for Love” de Tavares, los Daft Punk crean una de esas canciones repetitivas, con un breve momento de pausa en medio de la canción. Es como la rampa de subida de una montaña rusa.

 

9.- “Something About Us” 

Baryl, Octave y Stella llegan a la nave industrial donde se esconden con Shep mal herido. Éste le ofrece su mano a Stella e inician un viaje similar al de su ensoñación de “Digital Love”. Cuando finaliza el viaje Shep ha muerto y deja en la mano de Stella un prisma mágico que se convierte en una recreación en miniatura de la banda, revelándoles así su verdadera identidad. 

Tras la subida llega la bajada. Este corte es la balada del disco, con una base electro-funk mezclada con algo de jazz acompañado por una letra tan romántica como estándar, pero la canción cumple con su función.



 10.- “Voyager” 

Nuestros protagonistas viajan en furgoneta con el fin de enterrar a Shep. A través de un paisaje bastante holandés (la alameda, los molinos y el roble de Nationale Nederlanden donde llevan a cabo su misión) vemos a los personajes apenados. Una vez entierran a Shep empiezan a surgir unos puntos de luz y unas flores luminosas. El espíritu de Shep asciende a los cielos y se despide de sus amigos con el saludo de “La mano sobre el corazón”, tomada de “Star Blazers”. En el camino ven un cartel que indica un desvío a Darkwood, Stella saca la tarjeta y el prisma mágico se pone en modo GPS para indicarles el camino. 

Con “Voyager” volvemos a la música instrumental, toman un sample del tema “Get Down Saturday Night” de Oliver Cheatham. Es un corte bastante tranquilo, no tanto como “Nightvision” pero sirve para hacer de preludio al comienzo del desenlace.

 

  11.- “Veridis Quo”

Una vez han llegado a “Darkwood Manor”, que tiene un parecido razonable al castillo del “Castlevania”, entran y descubren un libro llamado “Veridis Quo”. En él se explica la historia de Darkwood, quien se ha dedicado a secuestrar talentosos extraterrestres para explotarlos y hacerle ganar discos de oro. Si Darkwood gana 5555 discos de oro, el de los Crescendolls es el 5555, tendrá el poder de controlar el universo. Los Crescendolls son descubiertos y llevados frente a Darkwood, quien quiere usar a Stella para activar un extraño mecanismo. Octave y Baryl derrotan a los guardaespaldas y Arpegius arroja el último disco de oro a un pozo de lava. Darkwood se tira a buscarlo, cayendo al vacío y el recinto comienza a derrumbarse mientras nuestros amigos huyen. 

Seguimos con otro tema instrumental. Esta vez con ciertas reminiscencias a la música clásica aunque poco a poco va añadiéndose el fondo electrónico típico de Daft Punk. La melodía se repite de forma constante y hace de “Veridis Quo” un tema monótono pero en la película es fundamental porque nos sirve para explicar el porqué de las acciones de Darkwood.

 

 12.- “Short Circuit” 

De vuelta a la ciudad y con el libro en su poder, Octave se infiltra en el edificio de la discográfica “R Records” para obtener los discos de memoria de su transformación. Tras hacerse con ellos, es pillado por los guardias de seguridad, quienes al paralizarlo con un aturdidor eléctrico, liberan la verdadera identidad extraterrestre de Octave, ante la presencia del dueño de la discográfica. El resto de la banda es detenida por la policía por fuera del edificio. Mientras tanto, una masa de energía oscura y chunga sale de las ruinas de “Darkwood Manor”. 

Tras la serenidad de “Veridis Quo”, en “Short Circuit” volvemos a la música electrónica. Tras un comienzo bastante intenso, a partir del 1:38 el tema se serena utilizando un sample de “The Ballad of Dorothy Parker” de Prince. Como guiño a la co-producción de la película, el vigilante de la discográfica esta viendo por la TV un Francia-Japón.

 

 13.- “Face to Face” 

 Una vez descubierto todo el pastel sobre el origen de los Crescendolls, y recuperada la nave de Shep, el dueño de “R” Records decide que nuestros deben volver a casa. Se inicia por un grupo de científicos el proceso de reconversión de los Crescendolls. Arpegius, Baryl y Stella van a visitar a Octave al hospital y se asoman al balcón para ver como cientos de miles de personas (35 personas según la Delegación del Gobierno) les apoyan pese a su condición extraterrestre. ¡Toma lección de tolerancia!. Los Crescendolls son lanzados al espacio mediante lanzadera y se dirigen a su planeta en la nave de Shep, para alegría de todos menos de Stella que sigue con esa cansina mustiedad que le caracteriza. 

“Face to Face” fue un single tardío de “Discovery”. El tema es bastante pegadizo y tiene un ritmillo disco-funk interesante, la letra es la típica de “diferencias amorosas” pero como también habla de las apariencias, de la confusión y la irrealidad se convierte en un buen complemento para el clip.

 

 14.- “Too Long” 

Llegamos al clímax de la historia. La nave surca el agujero de gusano cuando el espíritu de Darkwood intenta atraparlos, pero surge el espíritu de Shep salvando el día. Durante el resto del viaje, Stella recuerda los “highlights” de la aventura (y así Matsumoto rellena metraje) hasta que finalmente llegan a su planeta, donde son recibidos en loor de multitudes. Allí (pasando del jet lag) dan un concierto que se escucha en la Tierra, hasta en un poblado de una tribu africana con TV incluida. Stella descubre una estatua dedicada a Shep y mira al infinito. 

Tras un “zoomback” cósmico, un disco de Daft Punk ha llegado a su final y un niño se ha quedado dormido rodeado de juguetes que nos suenan. Los padres quitan el disco y acuestan a su hijo junto con los muñecos de Stella y Shep. “Too Long” avisa con su título, es un tema de 10 minutos pero va in crescendo constantemente volviéndose cada vez más festivo, haciéndolo muy bailable.

“Interstella 5555” fue estrenada en su día en el Festival de Cannes y tuvo buenas críticas en general, su distribución en cines fue limitada o casi inexistente, como pasa con el anime habitualmente. Es una película que se disfruta si te guste el anime y Daft Punk. Si no es así, su ausencia de diálogos puede que te resulte algo incómodo. Pero cuando menos es una obra interesante.

Fatboy Slim ft. Bootsy Collins - "Weapon of choice" (2001)

Dijo Rayco, el otro autor de este blog, en su entrada sobre el videoclip "Toe Jam" que, y cito textual:  

"Norman Cook es uno de los culos más inquietos que nos ha dado la música en los último 20 años. Quién nos iba a decir que aquel tipo alto y flacucho de The Housemartins se iba a convertir en uno de los gurús de la música electrónica del cambio de siglo".

Rebautizado a sí mismo en 1996 como Fatboy Slim, en el año 2000 sacó su tercer disco de estudio, titulado "Halfway between the gutter and the stars", del que se extrajo esta canción. "Weapon of choice" tiene reminiscencias en su letra a la novela de ciencia ficción "Dune", de Frank Herbert, y también a la película. Le acompañan el grupo Parliament-Funkadelic, y como vocalista que recita (más que canta) las letras está Bootsy Collins, bajista de la Bootsy Rubber's Band.

Pero "Weapon of choice" es la clásica canción a la que el videoclip le da su auténtico sentido, toda su esencia. Lo dirigió un profesional, casi un dios, del medio audiovisual, Spike Jonze, cuyas alabanzas hemos cantado ya en este blog en videos como "Sabotage" de Beastie Boys, o "Buddy Holly" de Weezer. Para este videoclip se eligió un concepto brutalmente simple: un tipo bailando en el hall de un hotel. Sólo que con Jonze bailar no es sólo bailar, incluye hacer piruetas y, por qué no, volar un poco.

Y el tipo tampoco es cualquier tipo. Es el señor Christopher Walken, un actor con mayúsculas al que no le costó nada meterse en el papel del anodino cliente del hotel que de repente se inyecta vida bailando, ya que en los comienzos de su carrera tuvo una sólida preparación como bailarín. De hecho, aportó sugerencias para mejorar la coreografía, lo cual no está mal considerando que en el momento en que rodó este videoclip ya contaba con 58 años, nada menos. Para Christopher Walken, el videoclip no era un terreno ignoto. Ya había aparecido, por ejemplo, como ángel guardián de Madonna en "Bad girl".

Uno de los atractivos mayores del video reside en la capacidad de Walken para unir una cierta inexpresividad facial con una arrolladora expresividad corporal. Mantiene la mirada de los personajes perturbadores en los que siempre se ha movido, mientras baila con una fuerza y un ritmo que impresionan. El video es uno de los más icónicos en la carrera de Fatboy Slim, y sirvió para la portada del recopilatorio de 2006 "Why try harder".

Filmado en el hotel Marriott de Los Angeles (en diciembre de 2000, por lo que a nadie le molestó que hubiera un árbol de Navidad), "Weapon of choice" comienza con un plano desolador en el que Warren, con los pantalones sobaqueros, como podremos observar en todo el video, dormita en un sillón, en un hall totalmente desierto.

Y así hasta el 0:42, que es cuando la música, proveniente de un cassette olvidado en un carro de limpieza, poco a poco despierta a la persona y la pone en marcha en esta improvisada pista de baile.

Bailar con traje: eso es clase. Barney Stinson estaría orgulloso.

En el 1:11, para que veamos que está en plena forma, salta dentro de un carro de maletas y hasta se da una vuelta, para luego subir a la escalera mecánica, en un plano muy resultón. Nótese como baila casi siempre con las piernas muy abiertas y arqueadas.

No obstante la excelente forma física del actor, la pirueta del 1:40 es ejecutada por un doble, y nadie se molesta en hacernos creer lo contrario, y menos aún el propio Christopher Walken, con la cara que pone cuando se incorpora. Otro momento interesante acontece a partir del 2:06, cuando Walken nos enseña a bailar con estilo con las manos en los bolsillos.

Particularmente, me encanta este plano del video en el que Walken baila en un pasillo flanqueado por espejos (y en el que al final, en el margen izquierdo de la pantalla, creo que puede verse la cámara):

A partir del 2:15 es cuando Spike Jonze decide que ya está bien de sujetar la pinza y que es hora de dejarla ir, y tanto que se le va. Christopher Walken (o su eficaz doble) se lanza al vacío y vuela por todo el hall del hotel con el mismo estilazo que se ha prodigado bailando.

Y tal y como empezó a bailar y a volar, para. Acaba la música y Walken regresa al sofá del que partió, adoptando la misma pose y expresión que al comienzo.

Con este despliegue, no es de extrañar que "Weapon of choice" fuera uno de los videos más aclamados del año 2001, y hasta la fecha permanezca como uno de los mejores de todos los tiempos.



Los fans de The Simpsons también recordamos a Christopher Walken por su magistral lectura de "Buenas noches, luna" en la Feria del Libro de Springfield, que aquí dejamos como bonus track.

DeBarge - "Rhythm of the Night" (1985)

En estos días llenos de "gafapastas" y modennos, se han puesto de moda los flashmob. Ya sabéis, un montón de gente que queda por las redes sociales (siempre al servicio del Mal) y bailan una coreografía. Ellos se lo pasan bien y lo viven, pero en un mundo donde hay gente que se insulta en internet por defender quién debe ganar en "La voz", los "flashmober" no molestan tanto.

Pero los flashmob buenos se organizaban en los vídeos ochenteros, donde las coreografías callejeras estaban a la orden del día. Para muestra, el vídeo que nos toca hoy, "The Rhythm of The Night" de DeBarge.

Este grupo estaba formado por los hermanos DeBarge, originarios de Michigan y ficharon, lógicamente, por la Motown.

En 1985, lanzaron su cuarto álbum "The Rhythm of the Night" y su primer single fue el que daba título al disco.

Familia que se peina unida, 

permanece unida.

El vídeo consiste básicamente en un grupo de gente que baila en la calle, mientras los DeBarge se dirigen allí en su flamante descapotable blanco. A lo largo del vídeo vemos el crisol de estéticas, prendas y complementos que se pasaban por alto en esa época y que hoy forman parte de nuestras peores pesadillas.

Vemos pantalones de pitillo sobaqueros, guantes con brillantes, hombreras, trajes de leopardo, faldas con volantes... en fin, todo un mundo de desprópositos, como un test psicotécnico hecho por un participante de "Mujeres, hombres y viceversa".

Eldra "El" DeBarge, el vocalista, acapara el protagonismo con su pelo a lo "Soul Glo" y su sonrisa "Profident" y no duda en poner en peligro a sus hermanos sentándose sobre el cristal del coche.

Retirada de carnet por conducta temeraria

...y por estética hortera

Después llegan a la gasolinera y allí, cinco mozalbetes se montan otro bailecito y llegamos al clímax del vídeo, donde todos se juntan para darlo todo. En su afán de sonreír todo el rato, en el 3:08 El desafía a la física con una sonrisa de oreja a oreja mientras canta: uuuuuuuuuuuhhhh!.

Esta canción fue todo un hit y les 

llevó a la cima de su popularidad. En 1986 El y Chico DeBarge sacaron sendos discos en solitario, pero siguieron funcionando como grupo. En 1988, ya sin El y liderados por Chico (con un look des/acojonante) participaron en un capítulo de "Punky Brewster". Ese mismo año, todo se empezó a torcer cuando Chico y Bobby DeBarge fueron arrestados por posesión de drogas. Los Debarge se separaron en 1989.

Por su parte, a El no le iban bien las cosas. Sus carrera no terminaba de despegar y la depresión le hizo caer en las drogas. La muerte de Bobby en 1996, víctima del SIDA, aceleró su drogadicción. Entre 1994 y 2010, El Debarge vivió una espiral de detenciones por drogas que acabó con ingreso en prisión.

Tras un año en la cárcel, decidió rehacer su vida y su carrera.

A finales de 2010 grabó un nuevo disco con el acertado título de "Second Chance". En él colaboraron Babyface, Faith Evans y 50 Cent, entre otros, y obtuvo buenas críticas hasta el punto de estar nominado al "mejor álbum R&B" en los últimos Grammy. El DeBarge sigue todavía en rehabilitación y la música es su mejor baza para dejar toda esa mierda atrás. Ya lo decía en "Rhythm of the Night": "You can leave it all behind".

Travis - "Closer" (2007)

Confieso que el video que hoy comentamos me tocó de forma especial la primera vez que lo vi. Me emocionó y aún me sigue emocionando. Lo encuentro de una ternura indescriptible.

En 2007, los escoceses Travis lanzaron su quinto álbum de estudio: "The boy with no name". Como primer single, dieron a conocer la balada "Closer", una sencilla canción de amor, de alguien que había perdido un poco la fe y vuelve a enamorarse. A mí me ha parecido siempre una canción preciosa, interpretada además con un encanto especial por Fran Healy.

La acción se desarrolla en un entorno que no puede ser más frío y anodino, un pequeño supermercado de barrio (situado en realidad en California), en el que Healy ejerce de mascota capta-clientes, el bajista Dougie Payne es un cajero sin pasión por su trabajo, y el guitarrista Andy Dunlop y el batería Neil Primrose son trabajadores del super que intentan poner un poco de creatividad en hacer más llevaderas sus rutinas.

Uno piensa que en un sitio así no pasa nada, y sí que pasan cosas

Aquí uno de los chicos de Travis echando imaginación a su trabajo

El cajero maltrata a una clienta, pasando su compra con desprecio y hasta con un aire de reproche, mientras Healy no tiene a quién repartir sus folletos, seguro que repletos de excitantes ofertas.

Me encantan estos planos que enfatizan el vacío y el carácter funcional de este tipo de espacios, con lo que no mantenemos vínculo emocional alguno por más que las propias cadenas de supermercados intenten venderlos como sitios llenos de experiencias.

La actitud de cada uno de los miembros de Travis es bien distinta. Healy muestra hastío, Payne un profundo hartazgo, Primrose cierta alegría y Dunlop una actitud responsable hacia su montaña de latas de tomate. Cuando Fran Healy se harta, se quita la cabeza de mascota y se la entrega a un niño, y se dirige al interior del supermercado para poner un poco de magia en su vida y en la de los clientes a través de la música, micrófono de megafonía en ristre, ante la mirada poco entusiasmada de dos compañeras de trabajo.

 

"Hoy, en charcutería, mortadela de pavo a sólo 2'99. Y ahora les canto un temita"

Nótese lo largo que es el cable de la megafonía.

El bajsta se anima, como quien ha sido devuelto a la vida, y se sube a la cinta mecánica a tocar su instrumento, mientras el 2:21 nos regala uno de los planos más bonitos del video:

A todo esto Primrose se ha arrancado a bailar con una clienta, y Dunlop, más adelante, será tiernamente perseguido por otro consumidor.

Como el ambiente se ha puesto bucólico y la música lo inunda todo, los clientes del super se dan un gustazo que, admitámoslo, todos hemos querido darnos alguna vez: bailar con el carrito de la compra.

Y mientras en el super se desarrolla una escena mágica, en la fría y descarnada oficina del gerente se sigue con el rutinario trabajo administrativo. El gerente es, como verán, Ben Stiller, que aceptó un cameo en el video al ser un gran fan de la banda. Stiller cree escuchar una jarana impropia de los ritmos habituales del super, y sale a asomar la cabeza para ver qué está pasando, pero lo que se encuentra es la misma paz de siempre. Quizás porque vemos lo que queremos ver.

Ben Stiller está un poco mosca

El gerente, incapaz de sentir esa magia, se convence de que todo han sido imaginaciones suyas, vuelve a su puesto, sin participar del momento especial que viven los demás.

En el último tramo, el título "Closer" cobra todo su sentido, ya que la gente, algunos extraños entre sí, que confluye durante un rato de sus vidas en el super, se siente "más cerca", y hasta el malhumorado cajero enamora a una de sus compañeras, que se le declara de esta original forma:

Finalmente, los cuatro miembros de la banda abandonan el super y se marchan juntos. La camisa que luce Healy, por cierto, hace referencia a una emisora escocesa de radio.

Con qué satisfacción terminan estos chicos su jornada laboral

Y ahora, si me disculpan, voy a emocionarme como una tonta por enésima vez con una canción y un video que nos recuerdan que existe la posibilidad de que la ternura surja en cualquier parte.

Travis - Closer (Official Music Video). Watch more top selected videos about: Travis

Junior Senior - "Move Your Feet" (2003)

Amiguitos, hoy nos vamos a Dinamarca, aquel país desconocido. Este pequeño reino nórdico es famoso por sus galletas de mantequilla, pero también nos ha dado a Hans Christian Andersen, Niels Bohr y Soren Kierkegaard. Pero lo que más nos gustaba de Dinamarca, aparte de Helena Christensen y Brigitte Nielsen, era que su selección de fútbol era nuestra víctima propiciatoria.

Musicalmente hablando, su mayor figura es Lars Ulrich, el batería de Metallica. También aportó el 75% de los infames Aqua (la cantante es noruega), y volviendo al heavy tenemos al inefable King Diamond, ex-líder de los Black Rose (no confundir con la peli chunga de John Fasano).

Junior Senior fue un dúo de corta vida formado por Jesper "Junior" Mortensen y Jeppe "Senior" Laursen y que se dedicaron básicamente al pop bailable. En 2003 editaron su primer álbum "D-D-Don´t Don´t Stop the Beat", frase muy presente en el vídeo que nos ocupa. Su primer single, "Move Your Feet" fue su mayor hit.

El vídeo fue creado por el colectivo Shynola, que han trabajado con Radiohead, Blur y Coldplay. También colaboraron en "La guía del autoestopista galáctico" (2005) y diseñaron los créditos de "Los informáticos".

Al igual que en ese trabajo, Shynola realizaron "Move Your Feet" utilizando el Deluxe Paint con píxeles de baja resolución. El vídeo está protagonizado por el dúo y una ardilla.

La ardilla intenta abrir un cacahuete con un martillo sin resultado, una escena que recuerda al Scrat y la bellota de "Ice Age" (2002). Ese el comienzo de una sucesión de imágenes absurdas donde la ardlla eclipsa a Junior Senior. Y es que el roedor demuestra ser un verdadero temerario capaz de saltar a caballo una docena de guaguas de dos pisos. También es un loco al volante, saltándose los semáforos cual Farruquito, y llevándose por delante a tres zombies que pasaban por allí.

                                  Con este método, The Walking Dead 

sería un mini serie

Entre tanto momento absurdo destaca como todo el mundo habla por teléfono, desde un caballo hasta un perrito caliente. Incluso vemos a un pato con gafas leyendo el periódico DUK!.

Cualquier cosa es mejor que La Gaceta

Nuestra amiga la ardilla, tras agarrase una melopea, decide dinamitar todo lo que pilla y, tras mucho insistir, acaba explotando el planeta entero. Pero ella huye al espacio al estilo Darth Vader.

Si Disney logra igualar esto en 

el "Episodio 7" me conformo

Junior Senior lanzarían un segundo álbum en 2005 con el extraño título de "Hey Hey My My Yo Yo" y el dúo se disolvió en 2008.

Elton John - "I'm still standing" (1983)

Tengo un cierto aprecio personal por este videoclip en la medida en que lo vi muchas veces cuando era pequeña, y recuerdo que me fascinaba porque era una agitada sucesión de planos que, a mis ojos infantiles, me parecían muy locos. En aquella época yo no tenía ni idea de lo que era un homosexual, y menos aún de lo que era uno con tendencias carnavalescas, asi que sir Elton simplemente me parecía un señor muy peculiar para vestirse.

Publicada en el album "Too low for zero", de 1983, la canción para la que se rodó este videoclip fue escrita, como el resto del album, por Bernie Taupin, incansable colaborador del cantante inglés, y es un alegre alegato a favor de la superación de los problemas de la vida, en concreto los que sobrevienen tras una ruptura amorosa. Para la dirección del video se contó con el australiano Russell Mulcahy, que dirigió producciones también para una pléyade de artistas ochenteros, así como una larga lista de videos para el propio Elton John, con quien ya tenía establecida la química necesaria.

Lo primero que llama la atención de este videoclip son sus coquetas localizaciones, en plena Costa Azul francesa, en concreto en Niza y Cannes. Por allí se pasea Elton John con sus singulares atuendos, rodeado de una pintoresca y bailonga muchachada. En principio había previstos dos días de rodaje, pero hubo que repetir uno porque el director cayó al mar con todo el material filmado encima, sin que se conozca de qué forma se produjo tan patoso incidente. Y sin que queramos saberlo, en realidad.

A esa dificultad se añadió el que coincidieran en Cannes Elton John y Duran Duran, en aquel momento en la cresta de su popularidad, y decidieran conocerse mejor a base de tragar martinis y correrse una farra completita hasta las tantas de la mañana, y dejando la habitación del hotel en un estado que la mujer de la limpieza prefiere no recordar.

Llega Elton a Cannes conduciendo su coche, ataviado de una guisa que nos indica que si va hasta allí es para pasar un buen rato:

 Que no te pille conduciendo así la Guardia Civil, sin cinturón ni nada

En la puerta del InterContinental Carlton de Cannes te reciben bailando unos animados botones que llevan el uniforme de aquella manera. En realidad, en Cannes todo el mundo te recibe bailando, si nos fiamos de lo que vemos en el video de Elton John:

Y ahora incluyo este plano un poco gratuitamente, sólo porque era de los que más gracia me hacía cuando era niña y veía este video. Prometo que no lo hago más:

Sospecho que cuando rodó este videoclip, hacía poco que, o bien Elton John, o bien el director, habían descubierto las bondades visuales del bodypainting, porque es una constante en todo el video. Jóvenes de ambos sexos con el cuerpo cubierto de pinturas con reminiscencias levemente tribales.

Uno de los aspectos más desconcertantes de "I'm still standing" es el señor que está en la puerta del Carlton:

¿Estamos entrando a un hotel de lujo, o a "La Ostra Azul"?

Sólo por estar en la playa no vamos a perder la elegancia, y eso bien lo sabe Elton, que se planta en la costa con un frac que, no obstante, no esconde su lado juguetón:

Si se fijan, Elton John lleva la cabeza a cubierto en todos sus planos. ¿Mucho sol en la Costa Azul? ¿Primeros signos de quedarse cartoniano que quería ocultar? ¿Perezón de pasar por peluquería? Sólo Elton lo sabe.

Todo el video tiene el tono desenfadado de un musical ligero, y los bailarines ocupan un lugar protagonista, con sus indumentarias sugerentes y multicolores. Sirva este plano como ejemplo, y también como homenaje al bailarín del panty rojo en el centro, conocido para la posteridad como el bailarín del paquetón:

El rodaje tuvo que ser un entretenimiento para los viandantes, que se congregan, a partir del 1:12, para ver a Elton John y sus bailarines, si bien algunos de ellos, como la señora del pelo cardado (al fondo, con los brazos cruzados) no parecen demostrar un exceso de entusiasmo. Se ve que, para estas cosas, los franceses son más bien de emociones contenidas:

Elton aparece muy implicado en las escenas de baile, da la impresión de que lo pasó sinceramente bien rodando. Estas escenas son tanto más meritorias por la coordinación de los muchos bailarines que las conforman, entre los que destacan, como dijimos antes, los que van pintados, y en concreto un bailarín blanquiazul que echa el resto en todos sus planos.

No faltan los planos de sir Elton con su piano, y casi al final del video, en el 2:50, vemos que él ya era un precursor del estilo de Lady Gaga, al menos en lo que a gafas se refiere:

Desenfadada, divertida y ochentera, esta canción nos regaló un videoclip hedonista e intrascendente que, casi treinta años después, aún nos parece simpático.

Soundgarden - "Black Hole Sun" (1994)

El rock americano de principios de los 90 se sentía confuso y desorientado, como un Legionario de Cristo en Chueca. Y es que el AOR y "Hairy Rock" habían hecho tantos estragos como Bruno Mattei cada vez que se acercaba a una cámara. 

Pero no todo era malo, por ahí andaban Guns 'n' Roses, en proceso de autodestrucción, o Metallica, que habían suavizado su imagen y sonido pero que seguían siendo un referente. También estaban Aerosmith, en plena resurrección tras estar "Living on the Edge".

La redención del rock americano llegó desde Seattle, "la ciudad de la lluvia", de donde cayó un chaparrón (worst relación de conceptos ever) de grupos que parieron un género nuevo, el grunge. Que era básicamente el rock duro de toda la vida pero con letras pesimistas y malrollistas. Tras la estela de Nirvana, aparecieron Alice in Chains, Pearl Jam, Mudhoney, Stone Temple Pilots (que eran californianos) y Soundgarden.

Soundgarden estaba liderado por Chris Cornell y en 1994, año en el que el grunge implosionó con el suicidio de Kurt Cobain, publicaron su cuarto álbum, "Superunknown". El tercer single del mismo, "Black Hole Sun" fue el tema que les lanzó al mainstream, gracias en parte a su vídeo de temática chunga.

                                     "Hola, soy Kent Brockman y 
                                  me va a tragar un agujero negro"  

El vídeo fue dirigido por Howard Greenhalgh y su puesta en escena es tan apocalíptica-surrealista como la letra de Cornell, que la definió como "una especie de ensoñación surrealista" (a saber qué rayos se habría metido el colega).

Al típico barrio americano de las afueras, de esos con casas con dos puertas y jardín delantero, llegan cuatro profetas con pintas reguleras, Biblia en mano y cartel de "El fin está cerca". Parecen estar liderados por un tipo que es una mezcla entre el gnomo Engywook y Juan Tamariz.

"...Y aquí detrás está el Oráculo del Sur.

 Tachán, nianianianiania"

Todos los vecinos están ahí, en su cotidianidad, preparando el almuerzo, viendo la tele, un señora se pintarrajea mientas su "toy boy" hace flexiones...y a todos se les estira la cara a niveles sólo asumibles por Faye Dunaway.

Persona con machete en mano pero que lo que 

más acojona es su cara. (Once in a lifetime)

Mención especial para los niños quemando insectos con la lupa a lo pequeño psicópata, el pibón rubio tomando el sol y con lengua de camaleón y la niña asando la Barbie. Me asalta la duda si lo que escupe es el helado o es espuma.

El malrollismo elevado a "n"

Total, que un agujero negro solar se lleva a todo el barrio por delante mientras los Soundgarden son testigos de todo desde una colina, como los Teletubbies.

El colgante que luce Cornell fue regalo de Shannon Hoon, líder de Blind Melon, y fallecido por sobredosis en 1995.

Cornell siguió con Soundgarden hasta 1997 y continuó un par de años en solitario para, en 2001, fundar Audioslave, otra banda potente. 

Chris Cornell bien acompañado

En 2006 se marcó un temazo para el renacimiento de 007 en "Casino Royale" y al año siguiente dejó Audioslave para volver a andar solo por ahí.

En 2007 publicó "Carry On" y en 2009 "Scream", una pedazo de mierda como una catedral producida por Timbaland (perdón por la reiteración).

Chris Cornell mal acompañado

En 2010 anunció vía Twitter el retonno de Soundgarden, y tras editar un recopilatorio, han grabado un nuevo disco "King Animal", que sale a la venta en EEUU en 10 días. Su single, "Been Away Too Long" suena cojonudo, veremos como está el resto.

U2 - "Sweetest thing" (1998)

Podríamos haber hecho sangre, pero no hemos querido, por respeto a uno de los más grandes grupos de pop-rock de las tres últimas décadas. U2 ha dado una cantidad tan grande de buenos temas y directos espectaculares, que no merecen Bono y sus chicos ser objeto de escarnio por aquel primer videoclip que rodaron, el "I will follow" del disco "Boy", en el que, frente a un croma vergonzante y con aspecto de no haberse peinado en el último mes y medio, Bono baila desaforado. No, no nos centraremos en "I will follow", pero dejamos el enlace a disposición de quien se sienta nostálgico.

Nos ocuparemos de un video mucho más amable y original, el que acompañó al tema "Sweetest thing" cuando éste se editó en un disco de grandes éxitos, en el año 1998. Esta canción fue grabada originalmente en 1987, como una cara B de "Where the streets have no name". Fue la forma en que Bono quiso pedir perdón a su señora por no haber podido estar con ella en su cumpleaños, dado que estaba con la banda grabando el discazo "The Joshua Tree". En el recopilatorio de 1998, se lanzó como single y los beneficios generados fueron, a petición de la mujer de Bono (Ali Hewson), a una organización que trabaja con niños afectados por la radiación del accidente de Chernobyl.

Del video se encargó Kevin Godley, un profesional del videoclip, y músico también, que situó su desarrollo a lo largo de la calle Fitzwilliam, uno de los rincones de estilo georgiano de Dublín, en cuya plaza tuvo lugar, curiosamente, la masacre del "Bloody Sunday" de 1920.

Mira qué carusa trae Bono, cómo sabe que ha metido la pata, angelico

Lo primero que vemos es a Ali Hewson subirse a una especie de coche de caballos, con cara de estar pensando "a ver qué ha tramado el bobo éste", y a Bono situado enfrente de ella, con un radiocassette portátil de esos que te convertían en el puto amo en los primeros noventa. Empieza a sonar la música, y Bono a poner sus muecas de hombre arrepentido. No ha trascendido hasta la fecha si también le pidió perdón por esas gafas ridículas que lleva. Obsérvese cómo entre el 0:16 y el 0:23 asoma, a la derecha de Bono en la pantalla, la cabeza de un miembro del equipo.

La señora de Bono y su expresión de fastidio: "este hombre me tiene aburrida"

Bono no está solo en su batalla por recuperar el amor y la confianza de Ali, qué va. Se ha traído un buen arsenal de colegas para que le echen una mano. Los primeros aparecen en el 0:40. Son los Boyzone, una banda masculina para adolescentes que tenía gran predicamento en aquellas fechas. Eran los 90 y las boybands triunfaban por donde iban. Eran años difíciles, aunque afortunadamente su declive vino justo después de llegar a su punto de saturación.

¿Quién más está con Bono? ¡¡Pues su panda de toda la vida, el resto de los U2!! Los chicos, que algo de culpa también tienen en que Bono se haya perdido el cumpleaños de su mujer, aparecen en un descapotable, conducido por Larry Mullen, el eternamente serio y poco dado a estas muestras de ternura; a la guitarra está The Edge, y a su lado, un señor que parece ser Adam Clayton, pero que podría ser Angela Lansbury después de un viaje de ácido que le ha hecho abrazar el punk.

La señora de detrás podría anunciar compresas para las pérdidas de orina: "Now I have found what I was looking for"

A continuación se incorporan al desfile los chicos de la Artane Boys Band, la banda de música de la Escuela Industrial de Artane, un suburbio al norte de Dublín, en la que militó el propio Larry Mullen en su juventud. Son una institución desde 1872, han dado "conciertos" por todo el mundo y suelen participar en paradas y desfiles en toda Irlanda.

Como el estilo de tierno hombre arrepentido no parece ablandar el corazón de la ofendida Ali, Bono opta por un estilo más agresivo, entrenado por el boxeador Steve Collins, el "Guerrero Celta", campeón de los pesos medios, y otro de los estandartes de la cultura irlandesa que se exhiben en el videoclip.

Atentos al protector de dientes con la bandera patria. No da puntada sin hilo el amigo Bono.

Pero en cuanto se va el entrenador, Bono se desinfla, se le disuelve la actitud recia como un azucarillo, y decide jugar una carta muy sucia: ¡¡la carta de los bomberos cachondones!! ¿Qué mujer no perdona lo que sea a la vista de macizos bomberos cachondones? Se trata de los Chippendales, un grupo de baile erótico y striptease masculino que, con los pertinentes recambios, lleva desde 1979 entreteniendo a las señoras con sus exquisitos espectáculos. Además, es de lo poco no irlandés que vemos en el videoclip. Por si esa masa de pectorales no fuera suficiente, Bono añade a la escena a un perrete de peluche. ¡Qué golpe tan bajo!

Bomberos cachondos + perrito con bandera blanca = combo ganador

Luego aparecen unos muñecos cabezones de Bono y The Edge, como recordándole a Ali "si me has querido en mi etapa más cargante, ¿no me vas a perdonar esto? Y, en una grúa, una orquesta clásica.

Cuando uno ya empieza a preguntarse cómo de larga es la calle Fitzwilliam, aparecen los que faltaban, los Riverdance, ejecutando esas clásicas y vistosas danzas irlandesas. Vuelven los chicos de U2 y la señora que se ha apropiado de la identidad de Adam Clayton, y de repente, en 2:56, aparece un chef con un plato que no agrada a Bono. Esto debe ser una broma familiar, porque el chef en cuestión es el hermano de Bono, Norman Hewson. La guinda del despiporrio es meter en un plano de dos segundos a un elefante que también le pide perdón a Ali.

Suponemos que la señora Hewson perdonó finalmente al pobre Bono, al menos en el tema del cumpleaños, porque no hacerlo después de haber montado este pifostio, ya es de tener el corazón de piedra o negro carbón.

Dead or Alive - "You Spin Me Round (Like A Record) (1984-2006)

He de confesar que mi primera idea para hacer este post era la de comparar ambas versiones como hice anteriormente con Natasha Bedingfield, pero me dije en voz alta: "Espera Ray, no seas cutre y cúrratelo un poco más". En ese momento me preocuparon dos cosas:

1.- Que el blog resulte más repetitivo y previsible que "El chavo del ocho".
2.- ¿Qué coño hacía yo hablando solo?.

Por eso he decidido contaros la vida, obra y milagros (de éstos hay pocos, pero es que la frase me mola) de Pete Burns a través de su involución facial.

Y es que Burns es tan conocido en UK como desconocido por estos lares. Os voy a contar cómo se inventó un look que otro se apropió, tuvo un hit, fue un "one-hit wonder" y recuperó la fama gracias a un reality mientras se dedicó varias años a cambiar su cara de tal forma que Jaqen H'gar parece un simple aficionado.

"Valar Morghulis, Arya Stark"

Hijo de un soldado inglés y de una alemana, Burns trabajó en una tienda de discos en Liverpool mientras cantaba en grupos de poca monta como Mistery Girls o Nightmare in Wax. Formó Dead or Alive en 1980 pero su gran éxito no llegó hasta 1984 con el tema que nos ocupa.

El vídeo fue dirigido por Vaughan Arnell y Anthea Benton. Arnell ha trabajado mucho con Robbie Williams ("Rock DJ") y Benton se ha centrado más en la publicidad pero dirigió el "Fastlove" de George Michael. Pero esos vídeos son carne de este blog, así que tendrán su protagonismo en el futuro.

El presupuesto del vídeo no se fue en decorados desde luego, delante de un fondo azul vemos a Burns primero enmarcado; luego a sus compañeros de grupo (meros comparsas) enrollados en una cinta dorada; Burns imita a Shiva con brazos dorados; y por último él sigue con sus contoneos mientras los comparsas agitan unas banderas, como no, doradas.

Lo mejor del vídeo son el look de Burns y sus gestos. Lo mismo hace con la mano el gesto de "la seño" que popularizó Mick Jagger en "Los Simpsons", que en el 1:54 se marca una especie de sevillana con las manos. Y todo haciendo gala de un dramatismo (foto izq.) que ya quisieran para ellos Taylor Lautner o Mario Casas (he dejado a Kristen Stewart en barbecho).

Su forma de bailar es claramente la de "el baile de la baldosa", pero bueno, con menos que eso esta ahí Katy Perry y nadie se queja. En definitiva, que "You Spin Me Round" fue un pelotazo y Burns gozaba con ello tanto que se le ponían los ojos en blanco como un muñeco (símil estándar) o como un zombie (símil freak). 

En ese momento, Burns pensaba que había llegado a la cima para quedarse, pero la dura realidad se impuso.

 Burns dominando el mundo de 

la disco, o eso creía él.

El siguiente disco no fue nada bien. Y Burns no parecía llevar bien el que lo comparan con Boy George, al que acusaba de haber copiado su imagen (al parecer Burns llevaba razón). El problema es que George triunfó antes que él y se ganó el título honorífico de "Introductor del estilo andrógino-mamarracho en el pop británico ochentero".

También ayudó el hecho de que protagonizara un capítulo (capítulo no, capitulazo) de "El equipo A" llamado "Cow Boy George". La duda de qué es más surrealista, si el título o el propio capitulo, sólo es comparable a decidir que peli de la saga "Deathstalker" es la mejor o lo peor. Pues eso, que ver a Boy George con Hannibal Smith y sus chicos nos llegó al corazón. Y contra eso no se puede competir, Pete.

Murdock prefirió quedarse en el manicomio 

Durante las dos décadas siguientes Burns desapareció de escena para aparecer con demasiada frecuencia por la consulta del cirujano estético. Se operó los labios, las mejillas, la nariz, etc. En una de las operaciones dio con un aprendiz del Dr. Nick Riviera y optó por la táctica "Moe Szyslak", esto es, meterse en una cloaca para emerger periódicamente para demandarle, y se arruinó "arreglando el desaguisado".

En 2006, totalmente olvidado y arruinado, llegó al rescate su Snake Plissken particular en forma de reality. Burns fue la estrella de la edición británica del "Celebrities Big Brother" de ese año.

Aprovechó el tirón mediático para publicar su biografía, "Freak Unique", revelando hechos como una violación que sufrió de niño, sus depresiones e intentos de suicidio varios. También presentó una especie de reportaje sobre operaciones de estética fallidas.

Pero lo mejor es que también decidió reverdecer sus laureles remezclando su viejo y único hit. El vídeo no deja ser un refrito del vídeo antiguo, del mix dance que grabó en 1996, de directos, y lo que realmente merece la pena, el metraje nuevo.

Burns ya no se mueve tanto como antes pero sigue dejándonos momentos para el estupor, como esta muestra de seducción.

Y también nos demuestra como, en su afán de innovación, se ha inventado una nueva parte de la anatomía humana, LAS PECTOTETAS. ¿La prueba?, aquí la tienen.

Y como Dead or Alive es él, para que nos vamos a engañar, en la nueva formación se ha permitdo el lujo de fichar al hermano pequeño de John Galliano.

Las nuevas versiones nunca han superado al original, y en 2010 editó un single "en solitario" sin ninguna repercusión por lo que es posible que Burns vuelva a las andadas. Y no descarto que allá por el 2016 nos vuelva a ofrecer otra nueva versión de "You Spin Me Round". Nunca el título de una canción definió tan bien la carrera de su autor.